“Este es mi barrio, esta es mi calle, esta es mi vida”“, es la frase que mejor resume la película. En ella el protagonista es la imagen fiel de cualquier hombre norteamericano de mediana edad, y clase media, que abre los ojos frente a la realidad en la que vive. El sueño americano en donde “todos podemos acabar siendo presidentes de gobierno, grandes empresarios o sencillamente millonarios”, es cada vez para más gente irreal y absurdo. Es como si Lester despertase un día y se percatara de cómo han jugado con sus ilusiones, construyendo castillos de arena para él, y obligándole a desechar toda esa libertad que ha perdido al frente de su papel de ciudadano medio.

En la película destaca también el papel de la Lolita Ángela, ( Mena Suvari), en la que Lester verá puestas todas sus esperanzas de lucha, de supervivencia… La nueva buena incorrupta que puede cambiar las cosas, y que nos ofrece una de las imágenes más bonitas de los últimos años, (¿quién no recuerda los pétalos de rosas?). American Beauty, en definitiva, arranca las cortinas de los barrios residenciales de Norteamérica, y lo hace en forma de comedia oscura, inquietante y perturbadora.

Se trata de un film divertido, triste, melancólico y la vez esperanzador. Un conjunto de buenas interpretaciones, sorprendente guión y un debut realmente destacable de Sam Mendes como director de cine.

¡Ah! Y se llevó el Oscar…

¿Qué decir de esta película? Un guión brillante, envidiable. Una fotografía original e impecable. Una dirección inteligente, que sabe jugar con las luces y planos hasta el punto de hacer de lo increible, algo sencillo. Una recreación visual casi perfecta, y un SORPRENDENTE trabajo de los actores (Jim Carrey, ¿qué te ha pasado?).

La memoria como lugar, no sólo como evasión mental al más puro estilo romanticista, sino como lugar físico por el que moverse… Esa la gran sorpresa de esta película. Es un ejemplo perfecto de ello el ver a Jim Carrey huyendo entre sus recuerdos con Kate Winslet al comprender que no quiere olvidarla. La playa nevada, el lago helado… Lugares físicos a los que acude mientras navega entre recuerdos. Proust en su obra describe un pasaje en el que comiendo una magdalena empapada en té, le sobrevienen todos los recuerdos de felicidad de su infancia. El recuerdo y el sentimiento de felicidad de la infancia son disparados por algo tan pequeño como una magdalena. Es curioso observar como cuando preparan a Joel, (Jim Carrey), para olvidar a Clementine, no le piden que les cuente su historia, le piden que retire de su vida los objetos que le recuerdan a ella

El gran “truco” de Eternal Sunshine, es que centrando la atención y usando como motivo principal el tiempo, en realidad se está dando mayor peso al espacio de la pareja. El tiempo del que hablan ambos siempre es un tiempo pasado. Y el final, es el final de cualquier historia de amor de las de verdad. Borrar a alguien de tus recuerdos es mucho peor que odiar, es eliminarlo de tu vida, de lo que eres y de la parte que forma de tí. Es como amputarte un brazo. Todas las palabras tienen un significado, cuando lo aprendes, olvidarlo es imposible.

“Benditos sean los olvidadizos, pues superan incluso sus propios errores”

Gracias Chin y Pedrito, por hacerme ver una peli de Jim “ojopipa” Carrey a pesar de los pesares, y por ayudarme a ser más sabionda.

Cada vez esta más cerca el gran día. Parece que Randall y Dante se marchan a trabajar a una tienda Mooby

Teaser

Trailer

Aquí podéis ir viendo el diario de rodaje de la película, con alguna escena curiosa como “The Good, The Bad and The Man” donde el grande de Kevin les enseña a sus amigos Tarantino y Rodríguez la película para conocer su opinión.

Por último, Kevin Smith, ha sacado un nuevo blog/diario llamado www.silentbobspeaks.com

Confío mucho en él, sé que tirará a la basura el mito sobre las segundas partes.

En el primer avión de papel, Anna y Otto escriben algo demasiado bonito para un niño. En el segundo avión, se detendrá la frase que describirá lo que envuelve el film “Estas noches te espero, mirando al sol. ¡Venga valiente, salta por la ventana!”

Y es que la suya es una historia de amor para valientes. Como todas las historias libres de tapujos y ataduras, rebosa de escalones, vuelos y golpes. Su pura atracción infantil cuando comparten la misma escuela, se convertirá en intensa pasión adolescente, que más tarde se cerrará en ese peligroso amor entendido como un todo, en pleno Círculo Polar Ártico. Es la película más hipnótica y enternecedora de mi admirado Medem. Mezcla lo siniestro y oscuro con el rojo bombeante y la piel crujiendo, demostrando así que la sensibilidad no tiene porqué caer en el insulso ñoñerío.

La magia de este film está en las casualidades, en el perfecto círculo cerrado que propone Medem. También en lo capicúa, como el nombre de los protagonistas y el apellido del propio director. Y en cómo vemos las cosas como somos, y no como son. Los diferentes puntos de vista que van narrando subjetivamente la historia, te envuelven en su atmósfera bella y fascinante. A lo largo del círculo encontraremos: Un maravilloso aunque difícil guión; Unas escenas que consiguen demostrar el arte de sentir; Una fotografía impecable y evocadora; Una actriz infinita… Una línea de puntos que hace de esta película una obra redonda y perfectamente estructurada. La historia de amor de Anna y Otto es tan real, tan a fuego lento, que parece un cuento.

No se la pierdan.

El Padrino es la primera película de la impecable saga dirigida por Francis Ford Coppola. Todo un clásico en la filmoteca de cualquier aficionado al cine.

Consiguió convertir a Al Pacino y James Caan en estrellas, además se llevó el Oscar a la mejor película, al guión, y Brando en un retorno triunfal, ganó el de mejor actor. Es una de las grandes películas de la historia, admirada por todos, incluso por quienes ven en ella una fuente de sabiduría en la filosofía empresarial. Ciertamente engancha, te envuelve en su atmósfera sobre el patriarcado, la familia y la propia Norteamérica. En mi opinión es la más completa de la trilogía. La historia, la banda sonora, la fotografía, el trabajo de los actores… Y un sin fin de detalles, en los que las anécdotas forman parte del folklore del film, la convierten en mágica.

Las escenas dramáticas, viscerales e imborrables, son legendarias, y Coppola marcó buena parte de los fundamentos de rodaje de los 70. ¿Cómo olvidar el asesinato de Sony? ¿Y las mandíbulas de Corleone? ¿Quién no se ha parado a imitarle alguna vez?… “Hazle una oferta que no pueda rechazar”…

Desde luego, es la primera película con la que se atreve a dignificar un poco al “malo” de la historia, y el héroe no es ningún chico ejemplar. Me encanta, y desde su tercera y última parte, no he encontrado nada equiparable. La mezcla de cine negro y drama social convence de una realidad: La Familia siempre es mejor que no tener familia.

Todo empezó con el programa de televisión Monty Python’s Flying Circus que presentaba las gamberradas de un grupo de comediantes formado por cinco ingeniosos británicos, (John Cleese, Michael Palin, Eric Idle, Terry Jones yy Graham Chapman), y un estadounidense, (Terry Gilliam), cuyas animaciones se unían para formar los descabellados episodios.

Fue producida por la British Broadcasting Corporation, y el programa se emitió desde 1969 a 1974. Un intento en conquistar la pantalla grande parecía el siguiente paso lógico, así que esta combinación de circunstancias llevó en 1975 a la producción de este film, escrita por el conjunto de los Monty Python.

El proceso de rodaje de la película tuvo aspectos tan anarquicamente cómicos como un típico sketch de los Monty Python. Para empezar, los dos directores no formaban parte de un dúo compatible; tenían ideas distintas sobre el estilo de la película y a Gilliams no le gustaba la tendencia de Jones a reducir la grandeza de sus decorados en apretadas disposiciones de cámara. Por otra parte, el alcoholismo de Chapman estaba en pleno apogeo y a veces dejaba a la estrella de la producción - en el papel clave del Rey Arturo- literalmente incapaz de recitar su parte mientras la cámara rodaba.

Pero los Monty Python son únicos. La compañía triunfó con la misma rapidez con que agotaron el escaso presupuesto. ¿Recuerdan a los caballeros avanzando a pie por el suelo y entrechocando unos cocos para imitar el sonido de los cascos de los caballos?. No fue tan sólo inspiración… Fue también la necesidad de llevar a los personajes de un lugar a otro con un presupuesto tan bajo que no podían permitirse caballos de verdad.

Sea como fuere, Los caballeros de la mesa cuadrada termina resultando un trabajo inmejorable. Una aguda parodia con un toque político, que consigue desde desacreditar el mito del poder de Occidente y su despotismo benévolo, a echar por la borda la masculinidad caballerosa tan arraigada. ¡Divertidísima!

Brad Pitt y Edward Norton han asegurado que es la mejor película que harán en toda su carrera, no me extraña. Frases como “Cuando la exploración del espacio profundo sea algo cotidiano, serán las multinacionales las que lo bauticen todo: La esfera estelar IBM, la galaxia Microsoft, el planeta Starbucks…hay que impedirlo”; “No sois vuestro trabajo, no sois vuestra cuenta corriente, no sois el coche que tenéis, no sois el contenido de vuestra cartera, no sois vuestros pantalones. ¡¡¡Sois la mierda cantante y danzante del mundo!!!”; “Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra ni una depresión, nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la TV que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock. Pero no lo seremos. Y poco a poco lo entendemos. Lo que hace que estemos muy cabreados”…. Y muchas más que obviamente dejo por descubrir, no son fáciles de olvidar para cualquiera. Creo que es una de las películas que más veces he visto, y que no me cansaré de ver. Siempre hay detalles ocultos, pequeñas cosas que te hacen pensar. (Gracias Dixel, por tu regalo)

Basada en la novela de Chuck Palahniuk, la película de David Fincher se adentra en territorio de hombres en la fantasía cinematográfica más intrigante, furiosa e ingeniosa de los 90′. A pesar de su espectacular éxito, El club de la lucha es una experiencia visual memorable, pero que también sabe plantear como ninguna desafíos morales.

Edwuard Norton interpreta al dócil narrador que, torturado por su vida vacía de asalariado, asiste a las reuniones de apoyo de los Doce pasos para sentir algo. En una de estas reuniones conoce a Marla, y después empieza a frecuentar al “salvaje” Tyler (Brad Pitt). Tyler y Norton terminarán organizando algo más que un sencillo club clandestino de boxeo.

El film se mueve a un ritmo trepidante con una cámara sorprendente y efectos especiales. Es la clase de película emocionante e inquietantemente inspiradora que consigue que lo más extraño parezca natural. ¿Quién no ha deseado, después de ver la película, formar parte del «Proyecto Mayhem»?, ¿quién no ha deseado ser parte de ese final?.

¿Cómo salvar su doble papel de héroe americano y judío indomable en este film? Demostrando una vez más, que como narrador dramático es un gran comerciante cinematográfico. Capaz de hacer que cualquier parejita de turno, de esas que acuden al cine de la mano, no deje de besarse ni por un instante mientras se cuenta una de las partes más injustamente atroces de la historia.

Salí cabreada del cine, para que nos vamos a engañar. No se puede jugar, estando en las circunstancias en que nos encontramos, a querer enseñar una moralina de lo arrepentidos y cuidadosos que son los judíos, y de lo “estúpido del conflicto en pro de la paz en el mundo”. A estas alturas no. No se puede pretender dar un toque pseudointelectual e insulso a una situación tan dramática que aún hoy tenemos a diario. No pretendas contar algo sin decir nada, porque no se puede.

Bien es cierto que dentro de su amplia filmografía, nunca han sido de mi agrado sus obras comprometidas con la historia, (Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler), por parecerme más un lucimiento personal como gran creador de imágenes, que alguien interesado en investigar en hemerotecas con el fin de redescubrirnos algún hecho desmemoriado.

Munich no se queda atrás, y a pesar de seguir siendo el mago en recrear escenarios, planos con grandes efectos, y montajes con imágenes impactantes, también sigue siendo el mago cuentacuentos defensor de la paz y la bondad, al más estilo yankee. Para eso abusa del metraje, de las escenas crueles, violentas, sanguinolentas, y en muchas ocasiones, del tratamiento humorístico de la cruel realidad.

Hábil como siempre, deja que los espectadores salgan felices del film, sin molestar a nadie. Tratando de equilibrar una balanza insalvable, dejando entrever el no saber distinguir entre buenos y malos. Señor Spielberg, definitivamente vuelva a la ciencia ficción, que es ahí donde usted no sólo no me molesta, sino que además me enamora.

Este film comienza con unos disparos aprimera hora de la mañana en una casa de campo, en medio del juego de la luz entre los árboles y la niebla, con un resultado sencillamente sublime. En la entrada de la casa nos reciben relojes antiguos que marcan inexorablemente el paso del tiempo, mientras una mujer despierta de su sueño agitado por el dolor del cáncer que la consume por dentro.

El director sueco, marca con esta película el culmen del arte del montaje. Un ritmo fluido, no forzado, el empleo revelador del sonido y del color. Unos primeros planos deliciosos, un ambiente impresionante. Es quizá el color lo que se retiene más vivídamente en la memoria de esta obra maestra otoñal.

Bergman imaginaba de color rojo el alma humana, y ciertamente sabe reflejarlo con intensidad en la historia de las cuatro protagonistas, de las que seguiremos sus miedos, frustraciones, ansiedades y reproches a través de los recuerdos. La extraordinaria actuación de las cuatro mujeres, la magia de los primeros planos, y esa escena tan terrorífica… Hacen que realmente merezca la pena echarle un vistazo.

Emocionante e innovadora visualmente. Un ejercicio de sorpresas, comenzando por los títulos de crédito. El argumento es sencillo: Lola, una joven de pelo rojo, recibe una llamada de su novio Manni. Según le explica, había de entregar cien mil marcos alemanes a un gángster pero se ha dejado la bolsa del dinero en el metro. Tiene veinte minutos para encontrarlo o lo matarán, así que planea robar un banco. Lola busca el dinero por su parte, y la película sigue al filo de salvar a Manni mientras los minutos pasan.

Resulta diferente la forma en que el joven director alemán nos muestra la misión de Lola. Tykwer utiliza técnicas de animación, trucos de cámara, película en color y blanco y negro, vídeo musical, replays, y cuenta cada aventura mientras lola corre, Manni corre, y asistimos a una carrera de obstáculos humanos que los dos han de afrontar con sumo cuidado para sobrevivir.

La protagonista ofrece una imagen potente durante todo el film, corriendo por las diferentes calles, impulsándose con los brazos y su inconfundible pelo rojo al viento.

En definitiva, me parece un experimento interesante e inusual, rodado con sentido del humor, emoción intensa y tremenda energía. Todo empaquetado en una película de generación MTV.